二胡独奏曲《二泉映月》好在哪里？为什么会成为世界名曲？

从技术上讲，二泉映月确实不难。大概有五六级水平就可以演奏了，掌握15弦三把位指法就可以摸下来，应付好友聚会、校级演出毫无压力。这是由于阿炳年代二胡技巧本身就没那么多，二胡高级技巧基本都是建国后的音乐家们开发移植产生的。插一句，最新出版的考级曲目，比三十年前的教材，相同的曲子普遍又降了一级，可以认为是最近三十年二胡技法又有新发展的反映，二胡技法至今仍在不断发展演化。

如果比较原版录音和现代演奏家的演绎，很多人提到，能感受到原版录音没有很多悲伤的感觉，现代的演绎版本有些“用力过猛”。

我曾有幸听一位音乐专业人士的指导，告诉我用这些描述情感的词来形容音乐演奏比较玄学，显得业余，不靠谱。专业人士应该能通过曲子的编曲结构、强弱变化对比、和声与音阶与旋律上讲出产生这些所谓情感的原理，并用于指导演奏。

对此我深表赞同。但我作为业余选手，不具有专业分析音乐的能力——这需要音乐学院多年专业的训练。我也非常期待专业音乐人对这首曲子编配、变奏的讲解，但我清楚作为传统音乐，二泉映月本身的学术价值可能并不高，特别是如果和古典音乐、爵士音乐等发达的门类相比。但我还是能感受（我浅薄的乐理知识能理解的）到这些情感差异的来源，主要有以下几点：

速度。原曲的速度较快，而且越往后越快。杨荫浏记谱中有多次速度变化的标记，最后明确写了全曲时长。但是现代演奏版本，往往把速度放慢了很多，原曲中主题旋律有6次重复变奏，很多版本中删减到3次或4次，但总时长居然比原曲还长。速度放慢会显著影响乐曲情感基调。揉弦。我没用过丝弦二胡，不知道丝弦到底能不能揉弦。原曲揉弦非常少见。如果给他加上大量揉弦，甚至模仿哭声的凄厉的压揉，就会让人觉得悲伤。力度对比。我怀疑钢弦二胡动态范围大，可以演奏出更强烈的强弱对比。原曲用的丝弦搞不好一使大劲弄断了，强弱对比动态要小很多。强烈的对比产生大开大合的酣畅淋漓感，较小的动态感受是娓娓道来诉说，这也是造成情感差异的原因。

至于有人说音乐中表现出的反抗抗争精神，其实就是指六次主旋律重复变奏之间力度和情感层次和递进。这个要理解为先进的革命精神，还是理解为生活重压下的挣扎，就见仁见智了。如果您理解为前者，加之个人对这种说辞不屑，您就会大骂这种说法扯淡。如果您理解为后者，也经历过被生活戏弄的无力与无奈，就会激起共鸣。对这一点讨论其实更多是听者自己的情感思绪流露。

至于对乐曲的改编，其实大家可以试试，找到杨荫浏的原版记谱，和网上的二泉映月视频对着检查一下，你会发现绝大多数视频演奏都对曲子做了改编。有的是删除了几段，有的不光删除还调整了段之间的位置，还有的将段与段之间的变奏杂糅起来，甚至可以视为符合原曲风格套路的即兴。但不仔细查对，一听他们都是《二泉映月》。我认为这是传统民乐曲牌的特点，在流传过程中被无数演奏者再创作会形成不同的版本。后来二泉映月被编配成交响乐版本、二胡协奏曲版本等等，每次编配改编都为二泉映月传奇般的传谱增添新的故事。

至于为什么要讲阿炳的经历，一个人的经历会不会影响演奏，我认为会。前面说了乐曲中感受到的所谓情感，其实是演奏技巧造成的，这些情感是技艺精湛的演奏家加工出来让人感受的。演奏者本身阅历的不同，会导致他个人在处理音乐细节上的理解不同。

刘德海有一个采访录像，说音乐学院学生演奏江河水，说他们演奏像是胃疼...当然这是个玩笑话，不过也从侧面表现出，没有生活经历的人，去想象所谓苦难，为赋新词强说愁的夸张处理状态。

至于阿炳的演奏水平，电视媒体网络的发达可能让人挑剔，让人忘记了线下世界里高水平演奏家是很少的，很难见到。假设没有电视网络录音广播，生活中见到的音乐，大家可以比较一下现在寺庙道观、红白喜事、开业庆典、早上公园合唱伴奏、街头卖艺的这些乐队、班子的演奏水平，阿炳和他们可是一个环境层次的...他们当中能达到录音中水平的人凤毛麟角，要知道阿炳录音时身体是什么状况，中断过练习，但录音中体现出的把控能力不管以何标准评价绝对是专业的。他这个出身不能和那些多年科班科学训练出来的相比。

至于阿炳的作曲能力，从一开始，杨荫浏记谱的右上角写的就是“瞎子阿炳 传谱”，现在出版的曲集写的也是“华彦钧 传谱”，而非“作曲”。杨荫浏和阿炳本人谁都没说过这曲子是阿炳写的，杨甚至还在曲集中注释道，“阿炳可能综合了传统音乐的片段，可能已经具有了一定的作曲能力。”

二泉映月结构完整，具有引子和结尾收束，中间六次各不相同层层递进的变奏，不应该理解为是偶然所致，不应该被贬低为偶然所为。我以为能写出这样的编排，阿炳一定是在心中仔细打磨过的。

杨荫浏在曲集里说，阿炳有意将《二泉映月》和姊妹篇《寒春风曲》命名为“到春来”，“寒冬来”但是没有被采纳。如果当时场景就如书中描述，看得出阿炳对于远道而来的音乐教授说话还是小心翼翼的，不敢肯定，两者之间有深深的阶层隔膜。

至于阿炳的经历，我认为社会上的认识还是有所偏差。一来是出版《瞎子阿炳曲集》时候的环境，曲集里自带的那篇《小传》会对阿炳个人的生活经历有美化的成分，再加上后来八一厂电影的再创作，阿炳真是的人生并不像某些人想象的那么伟大光明，也不像另一些人想象的吃喝嫖赌那末不堪。最近CCTV9新出过一个纪录片，我觉得已经更加真实了。对比到现在，阿炳可能属于早年出道，先前产业不小的失格艺人，经营不善后来相当于搞了些自媒体。看来这娱乐圈时常涉黄涉毒也算是个顽固的历史问题=_=

大众心中阿炳的地位，在他去世后的六十年间显著提升。1952年出版的曲集将他称为“瞎子阿炳”，八十年代再版时改称“阿炳”，现在很多人称其大名为“华彦钧”，甚至尊称为“华彦钧先生”。这些变化不应忽视。

前面都是（准）专业的领域，然后说一下业余演奏者的问题，要好多业余爱好者的视频，甚至流传甚广的本山大叔那个，也应该算进业余演奏者。我们应该给予业余演奏者宽容——不同人对曲子的演绎，里面总会渗透自己的理解，不同人技术或精进或业余，演奏时或认真或随性，当时心情或悲伤或喜悦，细节或粗糙或打磨，技术上可以评价好坏，但每一次演奏都是独到的，每一份录音保存下的都是人生情感的一次快照。每一个人都是值得尊敬的。

至于成为世界名曲的原因，我个人看法是：

二泉映月本身设计，编曲结构，篇幅，旋律设计水平远超同时期民间乐队曲牌和民间小调。知名同时期同地区民间小调曲子如《天涯歌女》《四季歌》，同时期流行音乐曲牌如粤曲《小桃红》乐曲本身容易听懂，旋律好听，具有良好的大众传播条件，具有传统中国江南音乐的特质。五十年代是民乐快速发展的时期，出现对民乐乐队、乐曲、乐器的大量革新和尝试。大量现在的民乐乐器定型于这一时期。作为这一时期代表作品，又成为民乐走向国际的一张名片，中国音乐人前辈对其推广发扬功不可没。

下面是我个人的一些感想...某天深夜有感而发的，也是写本文最初的基础，也许太感性了

二泉映月大概有五六级的水平就可以演奏了。之所以放得那么靠后，引用我老师的话说，你太小了，要经历一些事情后再学这个。于是我跳过了这首八级乐曲。

十几年以后，走过大江南北求学做工，没走专业路线的我琴也荒废了，直到有一天重新试着换上中弦老弦，才发现这支曲子中悲伤的成分并不多，是非常私人的曲子。

那句前奏仿佛在与老友重逢后在昏黄灯下沏一缸茶，叹道我跟你讲讲这些年怎么走的。

那六次欲言又止的重复，每次相似的开头，就仿佛进入高中，进入大学，进入单位，走进一个崭新的城市，遇到一个新的人，全新的营生，全新的一天，全新的一年，每次全新的开始都是充满希望而相似的，每次全新的开始都鼓舞人去做些什么。

一次比一次强劲高亢的旋律，夹杂了造化弄人，夹杂了历史局限，夹杂了成就辉煌，夹杂了无奈妥协。最后那强音，是一个人一辈子到达的顶点。最后最后，这一切经历都不值一提了，我就是我，这就是我的一辈子。

我想阿炳当年可能也是这样总结自己的一生吧，阿炳属于早年出道的失格艺人，经营不善后来相当于搞了些自媒体。其实阿炳到现在不过70年，小时候见过阿炳的人可能现在都有还在，两千多年的古人诗词都能引起今人的共鸣。想起在南京街头见过卖艺的艺人，想起内蒙的鼓匠班子，行当不同，普通的人生又能相差到哪里去呢？

发表于2021年11月26日

配图中的书“瞎子阿炳曲集”出版于1952年，即华彦钧录音和去世后的第二年。