本
文
摘
要
Hi 艾弗瑞巴蒂：
上周五晚，前戏持续了一个季度的《歌手》歌王之战在万众翘首中华丽丽上演。
歌王之战之所以惹人关注，除了因为是一众实力派歌手冲击总冠军的最后决战，堪称歌坛华山论剑，也因为比赛全程直播进行，所有歌手的演唱都是不加修饰一次成型，任何的瑕疵都会直接传进听众的耳朵里。
在听众越来越挑剔的今天，在负面评论越来越容易发酵的网络时代，这种当众卸妆式的残酷设定是对歌手专业素养和心理素质最终极的考验。
于是每年的歌王之战都会成为当年乐坛十大车祸现场的绝佳素材。
（图文无关
）
果不其然，歌王之战当晚就有不少娱评号和半吊子乐评人迫不及待地跳出来大呼歌手集体车祸，大惊小怪地评论某某走音，某某开口走音，某某全程走音。
仿佛听出了走音就等于窥见了歌手的底裤，知道了不得了的大秘密。
一般只持这种论断的人基本上自己从来没登台唱过歌。
那么我们不妨在开始逐一评述前先讨论一下现场演唱走音究竟走成什么样才算是唱功问题。
对于我们常说的音痴而言，走音大多是乐感的问题，即大脑不能控制声带准确地还原出耳朵听到的音高。大多数情况下可以通过训练校准，就像矫正近视一样。
这里就不展开讨论音痴的问题了，我们只说职业歌手。
首先一个职业歌手基本不可能是音痴，否则他干嘛非要为难自己从事歌手这一行呢？在这样的前提下，歌手在舞台上走音一般有以下几种原因：
1.歌手气息控制不佳，声带漏气导致音准不稳定。
2.歌手演唱能力不佳，高音上不去低音下不来。
3.歌手演唱投入，情绪波动导致演唱状态起伏。
4.舞台返听不清晰，歌手无法清楚辨别伴奏音调。
5.歌手与设备磨合不够，不熟悉设备特性导致使用不惯、控制不当。
6.歌手彩排时间不足，对歌曲转调、变奏等特殊设计不熟练。前两个原因尚能归结为唱功问题，后四个原因就和唱功无关了。甚至4、5、6三个原因是现场表演中常常会遇到的问题，这和制作团队的配合有关。
光《（我是）歌手》节目中就出现过多次歌手因为返听故障终止演唱的情况，许多歌手也自带麦克风、耳返甚至整编音响团队来规避这些问题的发声。
至于第3个原因，老湿认为是现场表演中非常打动人的部分，歌手之所以区别于机器发声，正是因为有了口吻的细节、情绪的力量、人文的情怀等等表演者赋予歌曲的歌曲本身之上更高层面的艺术加工。
如果大家仔细观察，会发现许多钢琴大师在现场弹奏中都会因为情绪太投入出现错音错拍的现象，但这一点都不会破坏演奏的欣赏价值。
此外，我们也应该认为瑕疵是现场表演的一部分，尤其是声乐表演，以血肉之躯行机械之事，仔细听来难免会有偏差。哪怕是结石姐一样有小幅度音偏的地方，更何况《歌手》这样周播的节目向来以准备时间少闻名，每期都会有歌手对着镜头抱怨准备不足。苛刻条件下的瑕疵，不该被一概草率地认为是走音、跑调，从而扣上唱功不佳的帽子，这样对歌手是不公平的。
所以，那些不细分原由就用所谓"走音"绑架歌手的观点是十分业余且肤浅的，尤其还因此打着乐评旗号的，就更居心可恶。
当然，如果是因为第1、第2种原因导致现场发挥不佳，那么作为职业歌手是值得反思的。就像上一篇里末尾所说的，所谓”录音棚歌手”的概念是对这个职业的曲解和误导。
而同时在苛刻的条件下依然发挥稳定甚至出彩的歌手也因此更显得不易。
那么下面我们来一一回顾当晚歌手们的现场表现。
1 腾格尔/吴碧霞-《九儿，你大胆地往前走》老艺术家带来的开场非常稳，给整场比赛定了一个极高的基调，以至于往后的几个表演对比惨烈。
首先这一版很有创意的串联了《妹妹你大胆地往前走》和《九儿》。两首歌同样出自张艺谋的电影《红高粱》。
如果大家看过这部经典电影，应该知道电影讲述的是抗战时代发生在山东高密的一段浪漫又悲情的凄美故事。女主人公九儿在护送受伤的丈夫余占鳌和他的部队撤退的途中以身诱敌闯进红高粱地，在遇难前用烈酒点燃了整片高粱，和追来的鬼子同归于尽，让丈夫、孩子和部队得以留存。
电影中既展现了男主人公余占鳌作为山东汉子的豪迈粗犷，也展现了九儿象征中国传统女性柔而不弱的刚烈性格。两首主题曲正是对应了这两面。
因此这一版这中两首歌的交替就像两个主人公的交织，加上唢呐、大鼓等民间乐器的加入，电影画面仿佛于眼前流动而过，电影情节的凄美配上歌声动人心魄。
说回演唱上，滕大爷擅长的喉腔怒音很适合表现故事男主人公粗犷的一面，并且演唱大开大合且十分稳定，豪迈的情绪在每句唱词中都呼之欲出。
吴碧霞老师也不愧是国宝级的歌唱家，在既有的民族声乐审美体系中将音色的光彩、弹性、张力、美感等各方面都做到了极致，气息支撑稳定，发声边缘、集中，高位置打开充分，最后一段《九儿》的演唱中竟然在不换声的情况下唱到了#c6，并且因为不换声所以咬字得以保持清晰。
这时演唱能力极佳的体现。
并且最难得的是，在机械式的声乐训练体系中，吴老师并没有失掉唱歌的本来目的。在她的演唱中抒情的语感和口吻都十分明显，情绪起伏自然，张弛有力。从一个旁观的歌者进入了角色本身。
不同的声乐流派也许有不同的训练范式和审美标杆，最终呈现出不同的音色和唱腔。但情感的表达是在形式之上每一位歌手在表演中都应该追求的内容。否则便会沦为发声机器。
最后想说的是，这段表演无论主题本身还是编排设计都更偏向女性化，所以吴老师抢了腾大爷不少风头。
2 Jessie J/李玟/KZ-《Bang Bang+龙拳》首先结石姐非常有风度，懂得在舞台上照顾同伴。
除了个人solo部分外，在整场表演中作为主角的她时不时地退到一边，把舞台的视觉中心让给Coco和后上场的KZ。否则以她175cm的身高和强大的演唱声场与舞台气场，站在中心很容易就掩盖了同伴的锋芒。
说回歌曲本身。A段的设计十分有新意，用《龙拳》里中国古风的琵琶弹拨作引，与英语演唱一呼一应，仿佛一中一西两人对话，语言不通则琴声作答。画面有如《功夫熊猫》的深山道院，充满西方人对东方世界的奇趣幻想。
可能出于排练时间严重不足的原因，歌手对于这一个设计显然还缺少磨合，导致两人在一段都有些放不开，于轻重拿捏间不敢随性使然。
相比于琵琶充满挑逗意味的铮铮作响，两人都呼应得小心翼翼，既不够热烈，也不够妩媚。直到进入编曲加强的第二段才进入状态。如果能像原曲一样放开表现，这一段的效果很更好。
后程两人的配合尚算默契，并没有出现大号歌手合唱中常出现的抢频现象，即两人的共鸣频段分布接近导致某一频段的声音过于拥挤、刺耳。
Coco的演唱特点是共鸣比例偏高，音色高频华丽但低频缺乏，而Jessie J的共鸣比例相对更偏低，喉腔和胸腔的音色丰满，所以两人的音色在共鸣频段上实现了互补。只是声音的宽度和力量上Coco要弱了不少。
但抢频现象出现在KZ完成rap部分加入主歌的合唱后。KZ和李玟的音色频段比较接近，因此当两人合唱时出现了高频过挤的现象，听感上就会有唐突的喧闹感。
不过瑕不掩瑜，三人的现场表现都十分连贯而稳定并各自有出彩的地方，表演状态也随着歌曲 *** 渐入佳境，尤其是年轻KZ在实力强劲的前辈面前镇定自若毫不怯场，十分难得。相反Coco反倒显得有些用力过猛，
总的来说在这首歌的演绎中三人的实力都得到了有力地展现，是一段出色的现场演绎。
3 霍尊/韩雪-《飘雪》这首前奏响起就自带言情剧意象的作品是韩雪的代表作，日文原曲是中岛美嘉的经典之作《雪之华》。因此整首旋律中也充满了浪漫的樱花风情。
歌曲定调上迁就了两人之间男女声调的差异，幸好霍尊擅长的音区要高于一般男生不少，因此整首歌只比原版降了1个全音。
绕是如此，因为原版的低音部分对于女生而言已经比较低，因此哪怕一个全音的落差对于韩雪而言都是考验。此外后段男女声分声部的部分，女声部正好卡在换声区间，换过声很难唱出力量，不换声又容易唱得累，这都对韩雪的演唱造成了困难。
而实际表现中，可能是由于久未登台演唱，韩雪的状态表现地有些紧张，气息浅、咬字用力、演唱动态不稳定等等都是紧张的表现。因为这些控制上的不到位，尤其是气息没有很好地向下支撑，所以在开口第一个字也是歌曲最低音韩雪就没有很到位地完成。
但与此同时，韩雪的优点也十分明显。首先她的咽腔打得很开，音色具有国内女歌手（尤其是音色走纤细柔美路线的女歌手）少有的深度，同时加上了气声的渲染，因此音色的美感很强，十分耐听。
此外韩雪的和声十分稳定，表现出了扎实的和声训练功底。
反观霍尊，演唱状态更稳定一些，但高位置打开不够充分，音色中通透华彩的部分没有得到展现。
并且两人都有一个共同的问题：演唱没有进入到歌曲的情境中，甚至两人本身都缺乏彼此呼应。可能是由于彩排磨合的时间太紧，也可能是由于紧张，两人演唱的情绪中都缺少了原曲雪落缤纷的凄美感。
本应是触景生情时的呢喃耳语，语气娓娓而情感炽烈，韩雪唱得过于急切，霍尊唱得过于无力。
抛开帮帮唱的前因后果，但就这首歌而言改编成对唱并没有让两人互为彼此加分，甚至也许还不如各自独唱。从歌曲画面感的营造和音色的互补性上来说，如果是一个沧桑沙哑特质的男声与韩雪纤细柔美的女声搭配，也许效果会更好。
4 张韶涵/毛不易-《花房姑娘+We Are The Champions》这段表演塞进了太多的元素，不仅有风格截然不同的歌曲穿插，还有舞蹈甚至变装，而歌曲本身的难度就不小（尤其是《We Are The Champions》）。
所以整段表演完成的难度太大，达到远远超过两个人的能力范围。更何况两人也不并熟悉，默契有限，更难在关键时刻互相支撑。
作为一个唱歌比赛，摆在种种锦上添花的设计之前的，是应该先把歌唱好。
先说张韶涵。
整段表演最人耳可辨的问题，是文章开头提到过的“走音”，并且是大段大段走音。前半段的音准问题基本来源于原因1（即“歌手气息控制不佳，声带漏气导致音准不稳定。”），后半段的音准问题基本来源于原因2（即“歌手演唱能力不佳，高音上不去低音下不来”。）。
而这些，才是真正应该反思的演唱基本功的问题。
在第一期乐评的时候，老湿曾经提过张韶涵的演唱修音严重，声线被后期拉平的痕迹明显以至于都出现了失真的电音。这反映出她演唱状态的极不稳定。
当时还引来许多网友质疑甚至粉丝攻击，认为她做了17年的职业歌手怎么会有基本功的问题。
而歌王之战的现场直播就是最好的佐证。就算做了17年职业歌手，也可能是错了17年、赖修音了17年。
但这并不是说张韶涵不努力，相反在我的印象中她一直是个很努力的歌手。我觉得造成现状更多的原因是没有得到科学地指导和训练。
就比如她在一档电视节目中说自己经常一边跑步一边唱歌以锻炼肺活量。这就是一个典型的广为流传的错误方法。
跑步能锻炼肺活量是不错，肺活量有助于唱歌也不错，但跑步时唱歌，无疑是加重肺部供给压力，让肺部更倾向于快速换气（就是喘啊），因此呼吸的模式也会变得更浅、更短促。
这样的呼吸模式带入到唱歌中就会是我们看到张韶涵今天演唱的状态，气息浅而不连贯。因为吸气浅，所以呼气急促（有些短唱句中间甚至还有加个气口，可见气量之少）。呼气短促导致气息频繁冲击声门使发声不稳定（也就是我们听到的不自然的颤音），并间接导致音准也不稳定。
并且气息运作的不连贯也让她的演唱顿挫感很强并且音色直白少了气感润色，不利于歌唱中绵绵的抒情表达。所以《全世界失眠》这样的歌就根本不适合她。
综上所述，就算你有巨大的肺活量，但每次只用一点，那与没有无异。
所以说，我更愿意相信张韶涵暴露的种种唱功问题并非由于她不努力，而是由于缺少科学的指导和训练，以至于不良的习惯长期成型。
至于毛不易，只能说他的定位更像是一个大众励志偶像，论演唱能力离职业水准还有很大距离，基本上没有经过任何声乐训练的痕迹。同样水准的演唱在各大院校十佳歌手大赛能见到许多。
要求他帮助张韶涵支撑起整段表演，是在勉为其难。
5 汪峰/谭维维-《Hey Jude》先说一个有趣的事实，汪峰几乎整首歌都唱高了一点。
这是因为他唱得喉咙很用力，用力难免过猛，过猛所以唱高了一点。而喉咙很用力是因为不这样唱不上去。不这样唱不上去是因为声带不能有效地合好，不用力压缩就会失声、破音（所以他在后一首歌弱唱部分频繁失声）。
最后，声带不能有效地合好是因为长期不科学地演唱习惯导致声带受损严重，声带边缘肿胀而不平整。
（我知道节目的声乐老师背书说因为他当天得了急性喉炎，呵呵。）
继续说回歌曲本身。
改编的风格很成功，谭维维的爆发力得到了充分地展现，现场很有煽动力，对比上一组的弄巧成拙优势明显。
反正国内的听众也并不会太在意英语发音之类的问题。
值得一提的是谭维维简直是女版腾格尔，演唱的风格、发声的模式、音色的比例、怒音的使用等等都像是高档位的腾格尔。如果两人合作类似《乌兰巴托的夜》之类的歌曲，效果一定拔群。
除了以上这些基本表演本身的评述，我还想讨论的一点是：
这一版的改编虽然现场效果不错，但是不是适合这首经典歌曲本身呢？
这首世界级的经典之作源自甲壳虫乐队成员保罗麦科特尼(James Paul McCartney)一次在车上对着主唱约翰列侬五岁的儿子朱利安的随口哼唱，以此安慰父母离异而郁郁寡欢的朱利安。
这是一个非常温暖的故事。其中饱含了麦卡特尼对朱利安深挚的怜爱和鼓励。
所以这首歌无论怎样改编，都不应该丢掉这个温暖的核心。而这一版无论是编曲的呈现还是演唱的情绪和口吻，都缺少了几分原曲的人文情怀，更多的是狂躁和煽动。
6 李泉/陈洁仪-《Endless Love》这一对算是全场除腾格尔和吴碧霞外演唱最登对的组合了。经验丰富的老将往往在现场表现出更高的稳定度和默契感。
首先两个人的音色呈现出很好地互补。李泉胸声宽广低频有力，音色是男性化的宽厚澎湃。陈洁仪头声明亮高频通透，音色是女性化的玲珑柔美
因此从听感上两人的声音交织缠绕而不互相冲突，十分享受。这一点和原唱Lionel Richie 与Diana Ross的组合十分相似。
其次两人的情感投入到十分充沛。李泉的舞台形象本就风流多情，独唱时稍嫌造作，但当舞台上有一个人和他合唱呼应时就恰到好处了。
同时陈洁仪在演唱的语感处理上表现地也十分到位，何处起伏、何处断句等等情绪化的处理自然合拍，声断气不断等等增加语气感的技巧运用得当。
因此两人的合唱，缠绵之意浓烈。
但事分两面，我们应该透过表面看到潜藏在背后的问题。
两人在优势互补的同时，劣势也一样正相反。
对于李泉而言，之前几期已经提过他的瓶颈是高音上不去。高音上不去的原因一来是演唱声裂大，随着音阶上行换声出现障碍。就像手动挡的汽车2档要想直接换到5档，不熄火就是奇迹。二来是因为演唱时的高位置打开不够，声门以上的传声和放大都挤压在口腔，导致声门上下压力不平衡（上面空间小气压大，下面空间大气压小），声带额外负压，工作困难。
我们的练习中通过哼鸣和唇颤音打开高位置来找到唱高音时的平衡状态正是为了解决这样的问题。
所以我们可以听到李泉在副歌演唱的部分表现地远不如主歌从容，并且不断通过拉麦来防止音量过载。吃力地用音量来换音高，正是我们常见的错误。
而陈洁仪的瓶颈正好相反，是低音下不去。这也是许多老派国内女歌手的通病。
因为先天体格娇小所以共鸣腔体也较小，更利于发出高频的共鸣（就像笛子和萨克斯的区别），因此大多数国内的女歌手都善于演唱明亮纤细的高音，而同时不善于找到低位置的共鸣（即便Coco也是如此）。
于是遇到Jessie J这样音色宽厚有力的外来妹，大家在声音质感上就输了一截。
说回陈洁仪，在几处下行演唱部分出现了明显的音偏和漏气，这是发声濒临临界点的表现，并且相对应的音高还几乎不能算进入了女生的低音区。
这就意味着她在低音部分存在演唱上的障碍，究其原因是气息支撑位置浅，喉咙打开不够。一旦遇到低音部分，狭窄的声道不能产生足够的低频共鸣，短浅的气息不能维持声带的低频振动，所以低音下不去。
而气息支撑位置浅对于高音部分的呈现也会有影响，和前面提到的张韶涵的问题一样，会造成演唱不稳定并且音色直白缺少气声的渲染。
所以这一对组合，是真正合唱胜于独唱，互相衬托了彼此。
7 华晨宇/邓紫棋-《华晨宇》首先选曲很成功。
火星弟弟擅长的迷幻元素的改编为这首歌增添了漂游的太空感，十分贴合《光年之外》的主题。从这个角度上来说这一版的编曲甚至要比原版更好。
演唱上先说华晨宇。
花花在演唱的技术上是超越前辈歌手的，最直观的表现就是能唱上前辈望而却步的高音。
华语歌坛里，张学友时代的男歌手以能站稳g4为荣，赵传、林子祥、张雨生等被视为天赋异禀。周杰伦时代的男歌手以能站稳#a4，偶尔点到high c为荣，假声变成常见的演唱方式。华晨宇时代的男歌手以能站稳high c，偶尔点到high g甚至更高为荣，混声变成了演唱技术的标杆。
花花在发声模式上接近于现代声乐理念中的混声，发声点小而靠后，音色锋利、集中，因此能在不换声的情况下稳定的唱出high c附近的高音。
但同时他的瓶颈是腔体的打开。
在他当前的演唱模式中喉咙保持着紧张的状态以对抗高音部分强大的声压，维持声带的工作。所以如果不能减小演唱的负荷那么他的喉咙就不能做到充分打开，不能充分打开意味着负责音色中宽度和力量部分的低位置共鸣（喉音、胸声）将会缺失。所以他的高音音色稍嫌细窄。
同时为了弥补音色力量的不足，花花习惯用咽部和口盖的压迫、反射制造明亮锋利的激励音，这又让他的音色缺少了咽腔共鸣带来的深度（对比邓紫棋）。
所以环环相扣之下，花花高音部分演唱虽然发声模式具备了混声理念，但达到真正高水准的混声状态还需要解决腔体打开的问题。而问题的根源是继续减小发声负载。
解决方案是边缘化发声。
其中的逻辑其实很简单。
发声负载减小的直接原因是唱高音不需要气息大力量地推动。气息不用大力量推动的直接原因是声带更容易产生高频振动。根据我们学过的物理知识，声带更容易产生高频振动的原因是振动体积更小。声带振动体积更小最直接的方式是只让一部分声带振动，也就是我们常说的发声点。
把声带面状的震动压缩成点状，因此同样力量推动下振动的频率更高。
华晨宇就做到了这一步。
那么下一步再减小发声负载的方式，就是让发声点更边缘化。因为声带越靠近边缘越薄，越薄相当于振动体积越小。
最典型的边缘化发声，就是我们常说的假声。友邻韩国人在唱歌这件事上超越我们，正是因为提前换声技术的运用。
在假声的基础上加上发声点或者反之，发声的负载就会更有效的减少，腔体也能得以打开建立音色的宽度和深度，并从而使声音更有力量。
关于邓紫棋，两年前特地专门成篇探讨过她。
两年来小邓同学有不小进步，气息更深更稳定，发声点也更小，咽腔打开更充分，因此音色也比以往更立体、更舒展、更具有美感。
她和花花的对唱合作中两人的角色也戏剧性地颠倒过来。本来理应男声负责宽厚，女声负责高亢，如今反倒邓紫棋的音色更宽厚，华晨宇的音色更高亢。
依然存在的问题是咬字的模糊，比如不看字幕的话你一定不知道她第一句在唱什么。外界更多的解释为是先天不足造成的缺陷。但其实仔细想一想，牙齿矫正也许可以解决问题。
可能她的咬字不清现在更多地成为了她的个人风格标签，歌迷也更乐于接受这样一个个性鲜明的G.Z.M。
但对于学唱歌的同学们，老师绝不建议这样哦。除非你想让刚认识你的听众完全不知道你在唱什么。
8 腾格尔-《苍狼大地》首先，我们应该向腾格尔以及前几季登场过的赵传、林子祥、杜丽莎等等年近花甲甚至古稀的前辈们致敬。
在许多比他们年轻两轮的中生代歌手都已经退化到无法登台的同时，他们依然保持着优质的声音状态和高昂的表演热情。这不仅源于他们对唱歌的热爱、对声乐艺术的崇敬，更离不开日复一日地钻研进步和坚持训练。
这份刻苦的自持放在早已功成名就的他们身上，犹显得闪闪发亮，难能可贵。
论本场歌王之战的个人发挥，我认为发挥得最好的是腾格尔。
前几期的乐评中提到过，腾大爷有一套自己的演唱审美体系，强而不满、弱而不断、气息先行、喉下怒音等等都是他的体系内标志性的元素。
这些元素形成了腾格尔鲜明的个人风格。
所以模仿腾格尔的唱腔很容易。但是真正用他的方式唱完一首歌却非常难。
因为强弱间的快速收放、喉下音的稳定输出都需要强大的气息调度能力和声带控制能力，就像体操运动员看似轻巧稳健的动作背后是经年累月的训练沉淀出的肌肉记忆，腾大爷的歌声背后一样如此。
离开了后期的精美修饰，平时功力修炼的差距直白地曝光在镜头前，于是听众哗然。这个时候，脚踏实地勤修苦练的老师傅就能扬眉吐气地说一句：
你大爷终究是你大爷。
9 华晨宇-《呐喊》
上文提到说花花的高音部分需要再减小消耗，这首歌的表现里有一些明显的现象佐证。
首先是和汪峰在第一首歌中的表现一样，花花在这首歌的副歌部分几乎全程音准偏高，原因也一样，唱得用力就容易用力过猛。
其次是嗓音状态的迅速疲劳。后半段出现声裂变大、换声断层以及所谓破音的情况，在能力范围发生这样的现象，说明声带出于疲劳受损的状态。
对于嗓音即是唯一武器的职业歌手而言，这是要规避的情况。
此外最后的嘶吼对声带伤害极大，力量不要诉诸声带的撕扯，而要诉诸腔体的放大（比如腾大爷就是个不错的示范）。
希望以后大有可为的花花保护好自己的嗓子。前车之鉴就在同台。
技术方面上文已经说得够多了，就不再赘述。
最后想说一下编曲。
这一版不仅改编了曲，也改编了词。相较于原词的愤怒宣泄，改编后的词更明朗开阔、昂扬向上，主题得到了升华。
而编曲上英伦摇滚风格改编澎湃而不沉重，也十分适合呈现改变后的主题。
我觉得编曲上一大遗憾是改编副歌后大篇幅减少了原曲hook句“Ho-hi-yian”的出现，只是作为bridge出现，导致副歌不够清晰。
这一句类似《喜欢你》里的黑凤梨，《We Will Rock You》里的We Will Rock You，具有很强的煽动作用，也是歌曲最大的记忆点。
作为现场的演绎，如果能利用这一句洗脑的旋律尽情煽动现场大合唱的氛围，效果会更好。
10 Jessie J-《I Will Always Love You》Jessie在这首传世经典的演绎中其实发挥得在她个人而言并不算很好，在第一段副歌弱唱的控制上出现了许多不稳定的地方。饶是如此，基础水准领先差距明显的结石姐获得歌王依然是实至名归。
不过抛开刻板的技术标尺来看，她的演唱十分动人，情绪地投入自然而真挚，所以我更愿意相信不稳定的原因是前文提到的原因3：歌手演唱投入，情绪波动导致演唱状态起伏。
这是现场表演的魅力，瑕疵、起伏也可以算作是表演的一部分。
此外，有小伙伴留言问过我，说结石姐和惠特妮休斯顿的音色很像，两人谁唱得更好一些。
这个问题十分有挑战性，因为惠姨影响力加分太多，她是一个时代的美国之声，是中国人最早知道的外国歌手之一，她的作品是无数实力派女歌手的试金石。
但从一个声乐的专业角度看，我们必须承认人类的声乐科学在发展、理念在更迭、训练在进步，老一辈的歌手一定会在专业上被新一代歌手超越。
也正是如此，如此一个行业才能进步。
说回两人比较的问题。一言以蔽之，Jessie J的技术相对惠姨要完善许多。其中最直观的是发声技术的改善。结石姐的发声点更小，因此演唱消耗更小的同时声音的体积更大，演唱更轻松自如。
恭喜结石姐，也为芒果台的魄力点赞。
其实外国人在中国拿到一档节目的歌王并没有什么值得我们汗颜的，一来并非中国所有顶尖的歌手都去同场参赛了，二来凭Jeesie的实力，无论到哪个国家都会是歌王的有力竞争者。
11 汪峰-《我爱你，中国》这段表演被赋予了太多场外意义，比如为贫困地区儿童圆梦的社会责任，比如向节目观众传播家国情怀的角色使命，因此变得不再纯粹。
虽然从歌唱比赛的角度，甚至从歌手职业的角度，这都是一段千疮百孔的不合格不职业的现场演唱。甚至在比拼独唱的环节带上整个合唱团也是对其他竞演歌手的不公。但转念一想，如果这些孩子在外打拼的父母们在电视屏幕里看到自己的孩子有机会站在如此大的舞台上歌唱，那会是何等的骄傲。
这也是一件人间美事。
所以，就这样吧。
说在最后...（本季大部分乐评是在歌者盟深圳俱乐部这间小办公室里完成的）
到一篇为止，这一季《歌手》的乐评算是画上了句号。
其实歌手们的表现每一期并没有很大差异，也许一篇就能说清所有。但老湿是想借此机会分享更多唱歌的知识给你们。
记得划出知识点哦！
我也看到不少网友在各个更平台上讨论节目、讨论歌手的时候转载引用乐评里的内容。这是我的荣幸，很感谢你们的信任。
（如果能标明出处就更好啦！）
最后想提出一个立意更深远的话题留给大家能茶余饭后讨论：
《歌手》节目从上一季就开始讨论歌手荒的问题，而当时登台过的歌手不过五六十人，尚不如音乐学院流行演唱专业一届学生的数量。
我们的年轻歌手去哪里了呢？
节目组又为什么选择了风格标新但唱功捉急的张天来首发呢？
我想，这就是电视行业使命和音乐行业使命的不同使然。然而可悲的是我们的音乐行业需要依赖电视行业和网络平台才能给新人以舞台。
这是我们音乐行业工作者的时代困惑，也必将是我们奋斗变革的目标。
我们啊，终究应该有自己做主的舞台。
