本
文
摘
要
九月开始，上海陆陆续续有很多的影像展即将开幕。其中有备受关注的影像上海艺术博览会，也有影像艺术家的个展。那么对于那些知名的影像大师你知道多少呢？今天《艺术市场通讯》为大家盘点你必须要知道的十位影像大师。
亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）
亨利·卡蒂埃·布勒松是法国著名人文摄影家，他一生从事摄影半个多世纪，足迹遍及世界各地，拍摄了大量精彩照片，提出“决定性瞬间”。被誉为"现代新闻摄影之父"。
布勒松认为：在所有表现方法中，摄影是唯一的能把精确的和转瞬即逝的瞬间丝毫不差地固定下来的一种手段。布勒松采用抓拍手法是和他的摄影的美学见解紧紧联系的。应该明确的是创作手法和一定的创作方法，创作倾向既有联系，又有区别。抓拍和摆拍都可以造成或真实或虚假的作品，关键在于摄影家的思想观点和审美标准。
几十年来，布勒松塑造了摄影家的思想对杂志风格是“不可或缺”的形象；给人注入了这样一个概念——摄影是你能看到的一刹那，摄影家的本能是首先看到它，进入这个世界体验它，并把它纪录下来。
布勒松的伟大之处在于他能够在产生美感的同时，突出时间和地点等新闻要素，当他把镜头对准世界政坛的风云人物时，他所逼近的主题远远超过那些社会焦点所涵的内容。无论什么题材，那种细致的观察、人性的包容和无与伦比的抒情，形成了他作品独具一格的风格。
杉本博司
日本当代摄影名家杉本博司，被誉为「最后的现代主义者」。在他的生活和创作那个年代，可谓独树一帜，他的作品即是场景记录，按现代中国流行的话语，叫新景观、新风光。
杉本博司最为人称道的一点是，他的照片经常充满哲学思考的色彩。他没有一张作品是为了说明现实的。而是总是在让观众思考一些形而上的问题。例如时间，例如生命和死亡，例如形式和本质。你或许会说：这怎么可能呢？照片只能拍摄现实，它怎么又能超出现实呢？照片不是绘画，它不可能拍出柔软的挂在树杈上的时钟。而这点就是Sugimoto与众不同的贡献了。
杉本博司的照片的另外一个特点是：他的照片充满了日本传统文化里和西方文化不同的一些思想。这些思想里就包括禅和道。禅太复杂，就说说道好了。日本的道和中国的道其实是差别很大的。日本有茶道、剑道、合气道、柔道。但在中国这是不可想象的一个事情。中国人对道的理解，似乎是更倾向于认为道是天的事情，不是人的事情。所谓“道可道，非常道”。而日本人对任何需要全神贯注集中于一点，并且透过冥想和苦练才能获得的东西都不妨称作为道。从这个角度上，Sugimoto的照片其实也不妨可以称之为“摄影道”。这种和思想结合得如此紧密的艺术，在西方艺术圈是不太多见的。
杉本博司是个只用大画幅拍照的摄影家。而且他经常用极长的曝光时间，并且他的构图都十分精确。这让他获得了“摄影技术大师”的称号。毕竟，大画幅相机在超长曝光时间中是很难掌握的。在超长的曝光时间中，胶片上的银盐颗粒的变化其实不是线性的。这个需要很多经验才能掌握。
爱德华·威斯顿（Edward Weston）
爱德华·韦斯顿对后世影响深远,被称为“摄影界的毕加索” 。爱德华•威斯顿是人体摄影史上最具公众知名度的摄影家。他的影纹清晰、形态严谨的人体摄影作品，以一种对生命的绝对解释而成为人体摄影史上的一座高峰。
威斯顿本是一个信奉画意摄影观念的摄影家，但他与情人、后来又成为他的摄影学生的蒂娜•莫多蒂的墨西哥私奔，却成了他的摄影风格转变的一个现实契机。在拉美的明媚阳光下，在他与莫多蒂的感情与日俱增的同时，他的时空观与光影感觉发生了巨大的变化。在他的以莫多蒂为对象的人体摄影作品中，作为被摄体的人体轮廓开始变得清晰、锐利，而不像以前以画意摄影手法所拍摄的人体的轮廓那般朦胧、柔和。显然，威斯顿在此时已经抛弃了画意摄影优柔寡断的美学观，开始接受纯粹摄影的美学观念。虽然在这时人体还不是威斯顿的主要题材，但从他拍摄的莫多蒂人体摄影作品中，人们已经有足够的理由预见一个人体摄影大师的诞生已经为期不远。尽管威斯顿后来与莫多蒂固政见不合等原因而分道扬镳，但他与莫多蒂的这段异国恋情却使他从根本上改变了摄影风格。
为了自由、理想和不妥协、还有几分放任，爱德华·韦斯顿一生几乎都处于拮据的生活状态，他去世时的银行存款只有300美元，没有像其他的许多艺术家靠自己富有起来。在他46年的摄影创作生涯中，为美国的惠灵顿图书馆捐赠了502幅相片，有113幅在洛杉矶市立美术馆，832张相片珍藏在加利福尼亚大学，1826张未经点修和装裱的相片存放在亚利桑那大学的摄影创作中心。爱德华对摄影的执着甚至潜透到他亲近的人身上，他的情人蒂娜，他的二儿子布列特，四儿子柯尔，他的孙子金都先后成为颇有建树的摄影家。而爱德华传奇般的人生和几千张流传后代的黑白摄影作品，更是一笔超越时代的遗产，而今还在让后尘者去久久揣度、品味。
曼·雷（Man Ray）
曼·雷是一位曾参与达达派和超现实主义派艺术活动的不知疲倦的摄影技术试验家和摄影艺术家。他曾尝试不用照相机，而是将某些物体直接置于光源和感光材料之间，通过轮廓、阴影的透射制作成照片。
后人将这种不用底片的“照片”称为“曼·雷式照片”或“物影照片”。他还曾利用暗房加工、多次曝光等特技将一些互不关联的影像或变形、或省略，反逻辑、超常态地错乱组合在一起，创造一种现实与梦幻、具象与抽象之间的奇特，荒诞而又神秘的，“艺术境界”。画面充满着某种象征性和暗示性，使作品内涵闪烁而不确定。这种方法叫做“中途曝光法”：在冲洗照片的过程中，当底片显影到1/2或1/3时，打开光源对其在进行一次短暂的曝光（1—2秒），以使底片上一部分尚未完全显影的影像反转成正像（比如将原底片上的黑色部位反转成白色），制成照片，则可以在照片的明暗交界处产生一条黑色的轮廓线，曝光时间越短，光源越强，反转效果越好。
沃克·伊万斯（Walker Evans）
如果你去问一个美国的摄影史专家：“你觉得美国最重要的摄影家是谁？”他十有八九会告诉你：“是沃克·伊万斯。”
沃克·伊万斯是一个现代风格的摄影家。是二十世纪最有影响力的艺术家之一。他的摄影风格对美国70年代之后的摄影艺术甚至世界的艺术潮流都有一定的影响。之后许多的美国摄影家都提到了沃克·伊万斯对自己的影响。
沃克·伊万斯的风格是一种平淡而不无聊的风格。对他的作品可以有许多解读：比如你可以认为是他对大萧条时期的美国西部的理解：“平淡而灰色”；你也可以认为他认为生活本身的美就是存在于它的平淡之中；你还可以认为他不希望把自己的眼光或者感受过多的添加入照片里，保持一种客观真实。其实这也是很多现代艺术的特点：在它们变得越来越隐晦和深奥的同时，它们也变得越来越富于多重涵义，能进行许多截然不同的解读。
沃克·伊万斯常用的是8x10的大画幅相机。他是一个很不喜欢暗房工作的摄影家。这点和布列松差不多。他的照片通常都是从人眼高度平视，然后横平竖直的。他的照片还有个特点：曝光普遍偏灰。也就是对比不大。其次，他的照片似乎在刻意的避免“故事性”。比如他拍的街景照片通常没有人，就算有人，也不是处在画面的重要地位。此外还有一点好玩的地方：他很喜欢拍摄有文字的照片。广告牌、招牌、路牌之类。他很善于使用文字来作为图片的构成部分。其实这里有个小地方：在战后的摄影家，纯粹是只受过中等教育，后来做学徒学会摄影，对艺术基本无师自通的人少了。而像沃克·伊万斯这样的有很丰富的知识和对艺术文学深厚理解的人多了。这点造就了一些更加复杂的摄影作品和更加知识分子化的摄影家。
斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）
斯蒂格利茨是美国著名摄影家，他是世界摄影史上一个非常关键的人物——他改变了整个摄影史，是现代摄影的开创者，被后来的摄影艺术家们尊称为“现代摄影之父”。而他在纽约拍摄的那张名为《终点站》的照片也被人们认为是现代摄影史的第一张摄影作品。
斯蒂格利茨的摄影风格基本上是画意派的。他的构图和画面组织都是大量借鉴和模仿了当时的绘画。比如他的照片里基本都是标准焦距，从正常的视角，横平竖直的拍摄对象。他的画面中的元素组织也是追求平稳和平衡。当然他学习的是当时主流的写实主义的绘画，也许还有一点印象派。但当时所谓的现代绘画，特别是抽象绘画，是基本没有的。他做过的最抽象的艺术尝试，是对云的拍摄。他拍了10张云的照片，作为对摄影艺术的研究。这可能是最早的抽象摄影的尝试。
他对美国现代艺术的发展起到了重要的推动作用。欧洲的现代艺术是他首先介绍到美国的，例如毕加索和马蒂斯。并且他通过展览、画廊和杂志，大大提升了摄影作为一种艺术的地位。在他年轻的时候，摄影只是被认为是一种有钱人的玩具或者一种新的新闻报道工具。而在他晚年，摄影已经被公认为一种现代艺术形式，能和绘画或雕塑平起平坐。这一点很大程度要归功于他。
斯蒂格利茨不仅是摄影艺术，更是整个现代艺术。他更是一个将一生无私的献给艺术的人。
尤金·史密斯（W.Eugene Smith）
尤金·史密斯被认为是当代新闻摄影的大师。他创作了战争史上最让人震动的照片。史密斯的照片中对社会的不公平的写照深深地影响了美国民众。他在日本拍摄的关于汞中毒的骇人听闻后果的照片是他最著名的作品之一。他的新闻照片同时具备准确的瞬间把握、极强的视觉冲击力，同时构图和曝光都非常完美。在他之后的新闻摄影大师，我觉得是往一些方向走得过远了。比如Sabstiao Salgado。Eugene Smith仍然保持在我们的社会所能接受的程度。而且他对人性的信仰和乐观精神，也是他重要的特点。他从来不愿放弃希望。简而言之：他是个有点天真的理想主义者。
他说“我每次按下快门，都是（对人类罪行）的诅咒和责难，同时我期望这幅照片能够长久流传，能够在未来的人们的心中引起共鸣，让他们警醒、回忆和思考。”之后，他说道：“我希望我的照片，不是对新闻事件的报道，而是对战争的控诉——对战争野蛮、堕落、残忍地伤害人们的精神和肉体的控诉；我希望我的照片能够成为动人而有力的催化剂，一个思考的催化剂——使这样的罪恶和残暴的愚蠢行径不再发生。”
迈克尔·肯纳（Michael Kenna）
英国的迈克尔·肯纳被誉为当代最优秀和最具影响力的风景摄影师之一，以拍摄黑白作品闻名。他除了善于寻找个人对环境独特视角和的触感外，还利用长时间曝光技术，令镜头能聚焦更多的光线，获得更大的景深，彻底呈现出人眼在实景中看不见的细节。这些作品简洁的构图中充满着神秘灵性之感，配合对比鲜明的黑白色调，别具震撼力。
迈克尔·肯纳的作品曾在世界各地逾六百间画廊及展览馆展出，并被巴黎、东京、上海、华盛顿及伦敦等城市的博物馆永久收藏。他还于2001年更获法国 *** 颁赠国家艺术暨文学骑士勋章。迈克尔·肯纳独爱捕捉人造物件与天然环境之间的微妙关系，如诗人咏诗般供予观者无尽的联想空间，同时渗透出对大自然及传统历史的尊重。
迈克尔·肯纳创作上最大的特征在于夜间摄影，而且持之不辍，得到甚大的突破，这在摄影史上是鲜见的。他的夜间曝光时间从30秒至11个小时不等，足见这种长时间曝光的作业方式对他而言已是家常便饭，而且颇能掌握。但另一方面他却又重视摄影的偶发效果。他自言并不在乎摄影的器材、材料，甚至连自己镜头的牌子也说不清楚，底片的选用也随遇而安，到了日本用Fuji，到法国用Agfa、Kodak、Ilford...，完全没有材料上的成见，端看地域的方便。这种态度与他作品的结果是一致的，譬如那些飘荡无确的云彩、朦胧的水流，都不是光凭技术上的精确侦测便可以达就，而是需要某种如诗的想象力和对于意境的捕捉，靠的是灵验而非经验，更非技术的Data，这和一般实事求是的摄影态度是很不相同的，也似乎逆反了某些大师的理论。但摄影的结果说明了一切，世上并无绝对的理论与绝对的真理，由此可解。
安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）
安塞尔·亚当斯可以说是有史以来最为“大众化”的摄影家，在美国的他的名字几乎无人不知。除了摄影师的角色亚当斯还是一位摄影著作家和摄影教育家。安塞尔·亚当斯一生以他认真仔细的态度和满是想法的摄影技艺而闻名。他的技艺所创造的艺术至今仍能产生强烈的反响。
安塞尔·亚当斯的摄影风格是很明确的：用最锐利的镜头，最大的画幅（当然还要能带的上山），最小的光圈（因此能得到最大的景深），最准确的曝光和最高级的暗室处理达成最大的动态范围。他对照片最后的成品的品质极为苛求。所有的展览照片都是他亲自冲洗和制作。因此很自然的，他对照片的曝光有很深的理解。他把对照片的曝光控制称作Zone System。这类似于我们现在常说的“曝光补偿”和“宽容度”。之所他要给曝光起个这么古怪的名字，是因为他的钢琴背景：他把照片比喻为钢琴。钢琴有88个琴键，好的音乐是要让这88个琴键和谐精确的排列。照片从黑到白的灰度也是类似的道理。好的照片要让所有的灰度都精确的体现出艺术家的意图。所以他经常花比拍照多得多的时间在暗房里。用最先进的技术来调整照片的亮度和对比等等。如果他是生活在现在，估计肯定是一个ps大师。他的很多照片看着简直是有HDR的感觉了。特别有意思的是：在Ansel出名之后，无数的摄影家都去他当年拍照的位置，用几乎一样的视角和构图拍了许多照片。但我不记得哪个超过了Ansel。这大概主要就是归功于Ansel高超的后期制作。
安塞尔·亚当斯和Edward Waston、Imogen Cunningham这两位大师一起建立了Group f/64。这起初就是个摄影家团体，后来成了一个摄影流派。基本上，这个流派主张用最小的光圈来得到最大的景深，最锐利的画面。f64是大多数大画幅相机的最小光圈。这个说法现在来看不是那么聪明：因为最小光圈受到衍射的影响，反而画质会下降。但这个主张其实是针对之前流行的画意主义的：画意主义主张用摄影模拟绘画的效果。典型的办法就是柔焦和大光圈。上面说了：Ansel自己也用过这些办法。结果发现根本没用。他的结论是：摄影和绘画是根本不同的。摄影就要按照自己的美学规律来做。可以借鉴，但不能盲目模仿。
安塞尔·亚当斯是一个用一生去追求风光这种持久的美丽的人。相对大自然的美丽，他觉得人类社会实在不值一提。所以他也受到了很多指责：“世界都在大萧条里挣扎，他还在拍石头。”但他的工作意外的和另一个非常重要的事情联系起来了：环境保护。他终其一生都是个环保主义者。虽然当时没几个人意识到环保的意义。但他通过他的照片，其实是让美国人更多的理解到了美国这个国家的美丽，和保护它的重要性。
马克·吕布（Marc Riboud）
马克·吕布是法国著名摄影师，是20世纪最伟大的纪实摄影师之一，同时他也是影响一代中国纪实摄影。1957年，马克成为50年代首位获准进入中国拍摄的西方摄影师（此后他来往中国达20余次）。1968年、1972年以及1976年，他对北越作了数次新闻报道，从越南和美国两个视角记录战争。
从上世纪50年代，他曾多次受到周恩来总理的邀请来到中国。1957年马克·吕布发表了他报道中国的第一张图片，从那以后，他又先后20多次访问中国。其间，他拍摄了大量中国名人的照片，他自称徘徊在北京王府井大街的次数比在巴黎香榭丽舍大道还要多。
马克曾近距离拍到 *** 、周恩来、 *** 等领导人的照片，它们也都作为杰出影像作品在著名刊物上被传播。马克·吕布在一段特殊历史时期进入中国，那段时期人们日常的生活图景和精神状态，中国摄影师完全忽略或不得不忽略，但通过他的镜头保留了下来。
马克·吕布的作品并不一定是那些惊天动地的大事，他的纪实作品往往通过细微的生活，反映深远的意义，用最真实的定格影像击中你柔软的内心。
