本
文
摘
要
在昨晚播出的《天赐的声音》上，苏见信发起了一番关于翻唱和原创的讨论。
「所有的电视台都在做翻唱的歌，你要我们怎么进步，唯一会进步的就是编曲，只有编曲在进步，只有唱功在进步，那我们的原创在哪里？」
发言过后，「翻唱改编音乐作品是一种突破吗」冲上微博热搜，引发了更加广泛的讨论：
有人觉得信在综艺节目上敢于说出这番话来非常有勇气，道出了音乐市场的现状，是真的有在思考华语音乐以后的出路；也有人觉得翻唱也是二次创作的过程，只要给观众带来快乐，就是好的舞台。
那么，一味地翻唱改编音乐作品，是否真的在阻碍乐坛退步？只要有原创作品出现，是否就意味着进步？翻唱和原创对于音乐的意义究竟是什么？
一、只有编曲在进步？
关于“翻唱作品存在价值”的讨论，其实这并不是第一次。
往近了说，在两年前的第 31 届金曲奖上，王若琳就凭借一张全翻唱专辑《爱的呼唤》夺得最佳国语专辑奖，而同时入围的其余五张专辑，却都是原创专辑。
这一大奖揭晓之后，便在网络上引发了一场关于翻唱和原创音乐的辩论赛。不少人都觉得翻唱专辑根本不够格拿最佳专辑这项大奖，似乎翻唱注定要低原创一等，和原创音乐一同角逐奖项便已经是天方夜谭。
可事实上，即便在评审投票的过程中，《爱的呼唤》却是只经过一轮投票，便无悬念地拿下这个大奖。甚至在最佳国语女歌手这一奖项的角逐中，王若琳还撑到了第二轮的讨论，仅以一票之差输给了魏如萱。
评审团主席陈镇川这样评价道：「王若琳这张专辑虽然很多都是翻唱老歌，但是以她这个年纪，选出了这些歌曲，组成一张如此完整的专辑，真的很不容易。而且今年评选的时间比较长，王若琳的专辑是在这两个月里面，不断被评审老师重复拿来聆听的专辑。」
这些跨越六十到八十年代的经典情歌，在王若琳的演绎下有了更特别的味道：既有巴洛克流行味道的竖琴与管弦乐，也有吉他贝司鼓这样常规的配器方式，还有迷幻味道的电子合成器穿插其中，既复古又现代。
其中让我觉得最能展现这一特点的演绎，是翻唱自邓丽君的《愛人》：管弦乐和鼓组成了这首歌的主轴，而间或点缀的电子乐 riff 也继续着色，器乐的纷繁和克制的演唱形成对照，让情绪的表达更浓烈、更复杂。
爱人 (Live In Japan / 1985)
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让《爱的呼唤》脱颖而出的，正是这些专辑在编曲、制作、演唱和选曲方面展现出极高的整体精致度与美学概念。它并不是单纯的翻唱作品，更是形成了自己独特的音乐世界；这并不仅仅体现着音乐人在编曲上的进步，更重要的是对音乐的理解和深入程度。
而这些不同的理解，也正是传承音乐的过程。例如一首三十年代的台湾歌谣《望春风》，在凤飞飞的版本里多了爵士跟蓝调的风味，又经过陶喆的演绎变成了一首新潮的 R&B 作品，在不同的时代始终留下经典的烙印。
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以翻唱专辑拿下最佳专辑奖，王若琳也并非金曲奖史上的第一人。早在 1996 年，费玉清便凭借一张翻唱专辑《晚安曲》夺得金曲奖最佳演唱专辑奖；一同角逐的还有齐秦翻唱台湾老歌的专辑《暗淡的月》。
而今年，华语乐坛的音乐教父罗大佑暌违五年推出的全新专辑《安可曲》，也是一张翻唱专辑。在弹唱起那些流传了几十年、至今仍极具影响力的流行金曲时，他不禁感叹：“这些歌曲的原唱和原作者都已凋零，但是他们带给我们的感动，却与当年丝毫未减。”
他反复思考这些音乐的力量来自何处，于是便有了这张专辑。
忘记历史的人没有未来。翻唱与改编，当然也可以是对音乐更深层次的探索，它甚至是原创音乐的源头所在。
如果说在华语乐坛，这样的例子还是少数，那么让我们放眼世界看一看。
在格莱美的历史上，也至少有数十张翻唱专辑夺得年度专辑奖：远了有概念专辑先驱 Frank Sinatra 在 1959 年推出的《Come Dance With Me!》，近了有前齐柏林飞艇主唱 Robert Plant 和美国乡村歌手 Alison Krauss 2007 年推出的《Raising Sand》。
难道这些专业度极高的评委难道只是傻子，放着这么多原创作品不予置评，反而对价值甚微的翻唱专辑投下肯定票？这显然不合逻辑。
种种对于翻唱作品的误解，无外乎是觉得翻唱歌曲直接把现成的词曲拿来重制，只不过是某种程度的重复和偷懒。
然而，对于翻唱作品来说，要超越原作带来的既定印象，难度甚至比原创作品要高得多，而在之中想要从过往的作品中找到与个人特质契合的点、再通过翻唱来打造个人的音乐美学，更是难上加难。但对于将这些难点逐一攻破的翻唱作品来说，无疑是一种突破，也是全方位的进步所在。
而在流行音乐以外的古典乐领域，往往最出名的不是新兴的创作者，而是那些不断重复演绎经典的演奏家们；不同的爵士乐大师演绎同一首曲子，也有各自迷人的味道。
只是流行音乐的更新速度实在太快，才消解了改编的价值，但原创和翻唱，从来就没有谁比谁更高级。
二、翻唱是一件丢脸的事情吗？
在节目上，信还谈到自己的乐团凭借翻唱大红的经历，他说：「我也是翻唱出来，我也会觉得有点抬不起头的感觉，真的，就是我到底翻唱完红了，那你到底是要不要开心？那不是我写的，对不对。」
但也许你不知道的是，Norah Jones 的《Don’t Know Why》和 Whitney Houston 的《I Will Always Love You》都是翻唱歌曲，但却都成为了他们的代表作之一。
Dont Know Why (First Sessions Demo)
I Will Always Love You (Live from The Concert for a New South Africa)
最具代表性的当属摇滚天团齐柏林飞艇，虽然他们的确是开宗立派的大师级人物，但也是经常抄袭别人词曲、狂吃官司的 *** 之徒（但他们还是有好好给原作者署名，并且补上版税）。
然而他们的精彩演绎也的确远远超越了原作，展现着独属于乐队四人的音乐美学。我相信，他们是绝对不会因为自己用了别人的旋律而觉得丢脸。
让我们再把问题绕回到信的身上。
让信乐团大红的《死了都要爱》、《离歌》、《One Night in Beijing》的确都是翻唱歌曲，但也不得不说，这些歌曲确实演绎出了他们独特的味道，并不是单纯的翻唱作品，我认为这些作品的价值是值得肯定的。
死了都要爱 - 信乐团 - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！
然而不同的是，这些制作上的点子，也并非出自信乐团的手笔，更多的主意来源于制作团队。
也就是说，这些翻唱作品的「原创性」，并没有来源于信的身上，我想这才是他怀疑自己的根源，而单飞后他慢慢转型成创作歌手，但又不如翻唱的时候成功，就更加放大了这种割裂感。
但我觉得，信在某种程度上也忽略了演绎者对于歌曲的重要性，换言之，也就是他自己。乐团时期的作品大火，信本人在演唱方面的出色呈现是不可忽视的，也成就了这些歌曲在当时的成功。
所以信大可不必因为不是自己的原创就抬不起头来，更何况节目上还有并非创作歌手的周深跟张韶涵在下面坐着，这样讲他们又要情何以堪？
三、翻唱改编就是对的吗？
既然翻唱作品有它的意义所在，那么信是不是就说错了呢？
我觉得，信的这番话确实有失偏颇，但放在整个综艺的环境下，却也不一定全错。周深在最后打圆场的时候说：「原创是有门槛的。」但是这句话应该还有后半句：翻唱更是有门槛的。
优秀的翻唱专辑远远比优秀的原创专辑少得多，这并不只是因为会写歌的人越来越多，还在于做一张好的翻唱专辑，实在太难。
而想要在综艺节目里做出一首构建个人美学的改编作品，几乎是不可能的。美学的构建需要时间的积淀，而综艺节目出于制作周期的要求，不会有那么多时间让你往深处嗅探，它终究是一个市场导向的产物。
可惜的是现在的市场并没有那么多在乎音乐的观众。
不妨仔细想想，为什么在抖音这个视频平台上，会出现「抖音神曲」这个特定的词汇？这就说明了，音乐依托于视频这一载体才会受到更多的关注。这个现象很正常，但是仅仅通过视频来来获取新的音乐资讯，至少不是那么健康的。
所以综艺节目，也并不会太在乎音乐。拿信和康姆士乐队合作的《玫瑰窃贼》举例，你会发现镜头基本一直只给到两个唱歌的人，吉他手算是幸运儿，靠着 Solo 的部分捞到几个镜头，而鼓手和贝斯手基本沦为背景板。
至少我觉得，这并不是真的尊重音乐。所谓在综艺节目上一直做翻唱的意义，其实无非就是收割流量跟收视率而已。无论嘉宾们怎么去解释翻唱的意义所在，你都会发现：《天赐的声音》几次小小的出圈，基本都和音乐没什么关系，靠的就是这样的争议场景。
这一现象不限于以翻唱为主的《天赐的声音》，甚至原创导向的《乐队的夏天》也免不了树几个说怪话的乐评人典型，因为他们深知，没有这点噱头，连个肯过来好好听音乐的人都没有。
这也就是 GAI 和周深为什么感慨做音综太难了。也许一些喜欢音乐的人还记得一档叫做《大事发声》的节目，不讲故事、不搞笑、不废话，音乐人走进录音棚里就开始表演，但是这样的节目早就活不下去了。
所以说，在这样的舞台上谈论为什么做翻唱不做原创，也并没有太大的意义。但问题的关键在于，嘉宾们一边觉得做音综不容易，一边却也并没有在好好做音乐。
孕育原创音乐的摇篮，不会在综艺节目上，而在节目结束之后。
信希望原创音乐能出头，但又觉得自己写歌不行，寄希望于在座的有能力的嘉宾撑起一片原创的天地，至少现在，也没有看到他在创作的方面有什么进步之处。
周深出道八年的时间，固然他的演唱很出色、声音很有辨识度，但也只出了一张录音室专辑。
而 GAI，至少我觉得他的能力是很不错的，然而也必须承认，他在大红之后推出的第一张专辑《光宗耀祖》是一张令人失望的专辑，他的水平绝对不应该只是这样。
甚至我觉得，他对于音综的态度都比对音乐的态度要认真。在《我是唱作人 2》的舞台上，GAI 的发挥至少比他的录音室专辑要靠谱得多，也尝试了摇滚跟情歌这些有别于 Hip-hop 的风格。
但是走下音综的舞台，这些突破都统统消失不见了，仿佛只是为了音综即时突破一下，证明了自己能行，结束之后就又回去了。
其实这不是 GAI 一个人的问题，而是所有音综都存在的问题。不论原创还是翻唱，如果这些只碰到了边缘的突破都是不可持续的，那么这些突破又有什么意义呢？
四、结语
让我们回到最初的问题：翻唱改编音乐作品是一种突破吗？
它当然可以是一种突破，不论华语乐坛还是整个世界的流行音乐市场，都有过无数经典且伟大的翻唱作品，并且时至今日，仍然有这样优秀的翻唱作品在诞生。
我认为，这些优秀的翻唱作品并不是绊脚石，反而是传承流行音乐、不断展现进步性的存在，期盼有一天，我们能够拥有更多优秀的原创专辑，也能拥有更多的翻唱专辑。
但是期望一档音乐综艺做出和这些作品比肩的翻唱，以目前的情况看，恐怕只能是奢望。
而真正应该耕耘原创音乐的地方，也不应该是在这些综艺上，而是在录音棚、在排练室，在能让你认真地去好好做音乐的小小空间里。
这些音乐综艺没有必要、也不应该承载这样的使命，更何况也确实有其他的综艺在推广原创音乐。
如果人们仅仅寄希望于仅仅通过这些综艺上的翻唱作品去了解原唱，那华语乐坛也许还有很大的退步空间。但真心喜欢音乐的人们，就算没有音乐综艺，也会清楚地知道，今天的华语乐坛仍然在进步——
这些进步并不来源于综艺节目，而是来源于创作者和表演者自己。
